Frida Kahlo : une vie de dépassement et de lutte en 10 oeuvres

Transformée en l’une des plus grandes icônes féminines du XXe siècle, nous rappelons les épisodes qui ont marqué la vie de l’artiste mexicaine coïncidant avec le 110e anniversaire de sa naissance. « Ils pensaient que j’étais surréaliste, mais je ne l’étais pas. Je n’ai jamais peint mes rêves. J’ai peint ma propre réalité ». Par ces mots, Frida Kahlo se dissocie du mouvement artistique auquel ils tentent de rattacher des auteurs comme André Breton, décrivant mieux que quiconque le caractère autobiographique de ses œuvres. Marquée par la polio qu’elle a subie étant enfant et par les graves conséquences d’un accident durant son adolescence, elle a utilisé la peinture comme moyen d’expression pour soulager la douleur des épisodes les plus durs d’une vie qu’elle a eu du mal à vivre, consciente que ” Chacun (tic-tac) est une seconde de vie qui passe, s’enfuit et ne se répète pas. Et il y a tellement d’intensité là-dedans, tellement d’intérêt, que le problème est juste de savoir comment le vivre ». Coïncidant ce 6 juillet avec le 110e anniversaire de sa naissance, avec ces 10 œuvres, nous allons rappeler les chapitres les plus pertinents de la vie de Frida Kahlo , une icône du dépassement et de la lutte.

  1. Ma naissance, 1932.

Utilisant la peinture pour exprimer les sentiments de perte et de solitude qui ont accompagné la mort de sa mère et sa deuxième fausse couche de Diego Rivera, Frida a réalisé cette impressionnante peinture exvoto dans laquelle elle se représente sortant de l’utérus.

  1. L’autobus, 1929.

Influencée clairement par l’œuvre de Rivera, et faisant référence au terrible accident de 1925 dans lequel le bus dans lequel elle voyageait a été projeté par un tramway, Frida peint en 1929 Le Bus. L’artiste y représente différents archétypes de la société mexicaine, une femme au foyer, une femme allaitant un enfant, un “gringo” tenant un sac d’argent, une jeune femme dans le rôle de Frida elle-même, et un homme en salopette bleue comme la personne qui l’a aidée à se débarrasser des parties qui ont traversé son corps lors d’un accident qui a causé la fracture de sa colonne vertébrale, de plusieurs côtes, de la clavicule et du bassin. Ce sera à la suite de cet événement que Frida commencera à peindre de manière constante, pour laquelle sa mère lui commande de fabriquer un chevalet spécial qu’elle pourra attacher au lit dans lequel elle est obligée de passer de longues périodes de convalescence.

  1. Frida et Diego Rivera, 1931.

Par l’intermédiaire de son amie, la photographe et militante Tina Modotti, Frida commence à entrer en relation avec les cercles communistes mexicains dont faisait déjà partie Diego Rivera, avec qui elle s’est mariée en 1929. À ce mariage en proie aux infidélités, aux passions et aux trahisons, ce serait suivi d’un divorce et d’un second mariage, il serait connu sous le nom de “l’union entre un éléphant et une colombe”. Dans cette œuvre de 1931, Frida représente Rivera en peintre, portant ses ustensiles de travail à la main, tout en se représentant dans une robe traditionnelle mexicaine dans le rôle d’épouse.

  1. Autoportrait à la frontière entre le Mexique et les États-Unis, 1932.

Après leur mariage, le couple établit sa résidence entre 1931 et 1934 dans différentes villes des États-Unis, où l’œuvre de Diego Rivera est de plus en plus valorisée. C’est à cette étape que, reflet de la profonde solitude qu’elle éprouve à cause des nombreuses œuvres de son mari, Frida peint cet Autoportrait à la frontière entre le Mexique et les États-Unis . Elle se sent seule et se souvient avec nostalgie de son Mexique bien-aimé, présent dans la peinture à travers des éléments traditionnels et naturels par opposition à la froideur des États-Unis représentée par un paysage artificiel dominé par la technologie et le développement industriel.

  1. Le lit volant, 1932.

Lors de leur séjour à Detroit, Frida subit le deuxième des trois avortements qu’elle subira tout au long de sa vie. Un événement terriblement douloureux que l’artiste a décidé de capturer la même année avec cette œuvre. Dans le tableau, nous voyons une Frida en deuil allongée sur le lit de l’hôpital Henry Ford, le ventre encore gonflé par la grossesse et tenant six fils comme des cordons ombilicaux aux extrémités desquels pendent différents objets allégoriques. L’image principale correspond à celle de l’enfant à naître lui-même, le petit “Dieguito” qu’il désirait tant avoir, tandis que les cinq autres correspondent aux figures d’un escargot, faisant allusion à la lenteur de l’avortement lui-même, un torse féminin, un étrange machine pour « expliquer la partie mécanique de l’ensemble », un bassin, en référence à la partie fracturée de son propre corps qui l’empêche d’avoir des enfants, et une orchidée, cadeau de Diego pendant sa convalescence.

  1. Ma robe y est suspendue, 1933.

Alors que son mari était occupé à réaliser ses murales controversées pour le Rockeffeler Center de New York, Frida réalise cette œuvre – la seule dans laquelle elle utilisera la technique du collage – dans laquelle elle représente de manière ironique et sans restriction la décadence de la Grosse Pomme. et du système capitaliste. Depuis sa première visite à New York en 1931, la ville et ses contrastes sociaux dramatiques ont éveillé un sentiment d’immoralité qu’il n’a même pas hésité à partager avec sa mère par lettre : « Il y a tant de richesse et tant de misère à la fois. temps qu’il semble incroyable que des gens puissent supporter une telle différence de classe et soutenir la vie de cette façon, car il y a des milliers et des milliers de personnes qui meurent de faim, tandis que d’un autre côté des millionnaires jettent des millions dans la bêtise et demi ».

  1. Les deux Frida, 1939.

Après son retour des États-Unis, la relation entre Diego et Frida se détériore en raison des infidélités continuelles de l’artiste, atteignant un tournant lorsque Frida apprend l’aventure de son mari avec sa sœur Cristina. Désormais, les infidélités de part et d’autre seront constantes, avec María Felix ou Dolores del Río sur la liste des amants du peintre, et avec Isamu Noguchi ou Trotsky, avec le nom de l’étrange femme, sur la liste de Frida. C’est dans ce climat d’aversion entre le couple que Frida peint Las dos Fridas . Elle y représente le dualisme de ses origines, assise à côté de la Frida d’origine mexicaine que Diego adorait tant, la Frida européenne, vêtue de blanc et le cœur brisé et saignant au profit de l’autre Frida, qui tient en ses mains un petit portrait du peintre.

  1. Autoportrait aux cheveux courts, 1940.

Frida n’a rien à voir avec cette œuvre, la première qu’elle a peinte après sa séparation, avec celle que l’on a vue dans ce tableau du couple de 1931. Si à cette occasion on nous montrait une femme soumise aux besoins du « grand peintre » dans son rôle d’épouse, à cette occasion elle nous apparaît comme une femme autonome aux cheveux courts, vêtue d’un costume d’homme, peut-être de Rivera lui-même , et sous la légende : “Regarde, si je t’aimais c’était à cause de tes cheveux, maintenant que tu es chauve je ne t’aime plus.” Fini les robes traditionnelles et les cheveux longs que Diego aimait tant, véhiculant l’image d’une femme forte et libérée.

  1. La colonne brisée, 1944.

À peine 8 mois après leur séparation, Frida et Diego se sont remariés. Une nouvelle étape du couple dans laquelle Frida ne renonce pas à l’indépendance économique qu’elle obtient à travers son travail, et la vente d’œuvres de plus en plus valorisées tant à l’intérieur qu’à l’extérieur de son pays. Mais contrairement à sa valorisation d’artiste, ses problèmes de santé ne font qu’empirer. C’est alors qu’elle vide toute sa douleur physique et émotionnelle en réalisant cet autoportrait dans lequel on la voit attachée à un corset d’acier, tandis que sa colonne vertébrale fragile et abîmée s’expose comme le motif central d’une composition dans laquelle son corps est stoïque. tout en étant poussé par une multitude de clous. Como ella misma explicaría, la obra incluye un mensaje de esperanza que bien podría extrapolarse al conjunto de su vida, “Tienes que reírte de la vida”, señalando el detalle de que si “miras los ojos muy de cerca… las pupilas son palomas de la paix. C’est ma blague sur la douleur et la souffrance.”

  1. Vive la vie, 1954.

Soutenue par des artistes comme André Breton, Picasso, Miro ou Diego Rivera lui-même, vers la fin de sa vie, les œuvres de Frida Kahlo ont été présentées dans différentes expositions à New York, Boston, Philadelphie, Paris, Mexico ou San Francisco. paru dans différents numéros du magazine Vogue, et même la créatrice Elsa Schiaparelli avait créé une robe inspirée de celui-ci. Sa santé se dégradant de plus en plus, en 1953, sa première exposition individuelle dans son pays est organisée à la Galerie d’art contemporain de Mexico, à laquelle la peintre assiste finalement allongée sur un lit placé au centre de l’exposition. Cette même année, il souffre d’une grande dépression après l’amputation de sa jambe droite, et après plusieurs tentatives de suicide, il meurt finalement à l’âge de 47 ans le 13 juillet 1954. Comme dernière œuvre achevée, une nature morte composée de plusieurs portions de pastèque sur celles gravées de la phrase “Viva la vida”.